2017年02月09日

和声について少しだけ

先週、ダルクローズリトミック京都研究会の月例会に参加してきました。レッスンを受けられているのは、ピアノの先生(多分)やリトミックの先生などで、多分私のようなものは私だけ? 内容はリトミック(大人向け)の他、ソルフェージュ、即興、鍵盤和声などですが、先週のレッスンで和声について改めて考えるようになりました。

ネットで色々と検索していてたまたま『即興演奏指導法の研究』(島根大学教育学部/小林昭三著)という論文を見つけました。最初の方に、中田喜直の本からの引用があります。そこを読んで、ん? 確か私が持っている中田喜直の本に書いてあったような?と思って確かめてみたらやはりそうでした。
『実用和声学―旋律に美しい和音をつけるために―』という本です。改めて同じあたりを引用します。

「もちろん和声学もピアノを使って勉強するが、和声学はピアノのためのものではないので具合が悪い。和声学はその名の通り、和音の中の一つ一つの音を独立した声部として扱い、その声部の扱いを厳格に規定したものであるから、混声合唱か、異なる楽器の四重奏でやらなければ本当に理解できないわけである。
平行八度や平行五度の禁則は、そのようにすればある程度理由がわかるが、ピアノで弾いたのでは悪く聞こえない場合が多いから、例えば下記の楽譜で、点線で示したところが悪いということはまったく無意味になってしまう。ピアノにはピアノの弾き方があり、ピアノの響きがあるのだから、ピアノを使うなら和声学ではなく、和音学の方が必要なのである。」

鍵盤和声は和音学ということになるかな?
また、別の論文『鍵盤和声における転調の実際』(千葉大学教育学部/紙屋信義著)には、C・ケックランの引用があります。

「深い音楽的情緒を支配するのは特に転調である。それは常に最後の勝利ともいうべき音楽的感覚に従わなければならない」

うん、「最後の勝利ともいうべき音楽的感覚」ってすばらしいなと、この引用元の本を見てみると『和声の変遷』とあり、この本は私の本棚にもあるじゃないですか! それで該当ページをめくってみるとアンダーラインが引いてありました。そこを読んだ時、いいと思ってたんでしょう。忘れてましたが(笑)。

まあ、とにかく実際の音を聴いて、それがいいかどうか判断する「耳」こそが大事だというのが、私の興味を持つ和声の本には大体書かれています。読みたいことろばかりに目がいくとも言えます。

和声に対する考え方でとても共感を覚えたある作曲家のブログ記事があります。
『和声学習に想う・・・・「見えないカデンツ」』(阿部俊祐さん)

「演奏活動が円熟してくると次第に、実体をもった「何か」の音楽感覚が知らず知らずのうちに自分の中にいることに気づき始めると思います。それがきっと「見えないカデンツ」です。」(引用)

私が共感を覚えたのは、演奏活動は円熟してませんが(笑)、年齢と共に経験値(音楽やそれ以外も)も多少上がってきた後の、自然発生的な創作の中に「見えないカデンツ」的なものを見つけたから。私の乏しい机上の音楽理論知識よりも、過去の素晴らしい作品から実践を経て得てきたもの(こちらも全然十分ではないのだけど、音楽の秩序のようなものや感動!)が創作につながったんだと思います(たいした作品じゃないですがね💦)。
それから1年と何か月かたって、今までブログでもちょこちょこ書いてる即興演奏への欲求というのが少し出てきて、もともと別の理由で行きはじめたダルクローズリトミックの月例会に参加している中で、自分に必要なものが新たに見えてきた段階です。自分の納得いく形での創作と即興演奏のための和声の勉強です。手元に色々な本もありますが、何のため?という目的がわりとはっきりしてきたので、以前目を通した時とは違ったことが吸収できるかもしれません。また道なき道を自分の中の要求に従って行きます!

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2017年01月22日

「身体による表現」

今日は京都音楽院で行われたクリエィティブリトミック音楽指導研究のうちの、「身体による表現」(ボディクリエーションコース)に参加してきました。
ちらしによると、「音楽や表現を体験的に理解し、模倣や即興、創作の遊びを通した創造的な音楽活動の提案を実践していきます」などと書かれていますが、どんな内容なのかいまいちわからないまま、でも今私が気になっていることに近い感じもして、トライしてみることにしました。

講師の井上浩子さんは、音楽教育家のオルフやダルクローズの考えを紹介しつつ、体を使ってできる表現について、様々な方法で指導してくださいました。先生はヨーロッパやアメリカで学んでこられていますが、向こうでは音楽家はみんなダンスを学ぶということです。体を使ってリズム感覚を習得するという考えのようです。単なるリズム感覚ではなく、豊かなリズム感覚と感じました。

今日はたくさん体を動かしましたが(音楽ありとなしの両方)、その際どの部位が働いているのかということに意識を向けるということをたくさんやりました。その中で「筋感覚」のお話もありました。
筋感覚については以前読んだ『ピアニストならだれでも知っておきたい「からだ」のこと』で知り、その話をしました。この本では、筋感覚は五感の次にくる第六感と位置づけていています。ピアノを弾く時どこの関節、骨、筋肉が関係しているのか、そういったことを意識することによって、弾き方が変わってくる。今日のお話と重なる部分があります。
体の仕組みを知りむだな力を使わず動かすという物理的な側面と、音楽を感じて体で表現するという芸術的な側面の両方について改めて考え、また体を動かすことと心理面との関係を認識するなど、とても有意義なワークショップでした。

最近取り組んでいることは、私の音楽そのものと、みんなと共有するための音楽活動どちらにも生かしていけるものじゃないかなと感じています。


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2017年01月18日

どこかの誰かさんが……

YouTube以外にSoundcloudという音楽サイトに自分の作品をアップしていますが、フォローされたらフォローするくらいの感じで自分からアプローチしてないので知られこともあまりないのかなと思ってますが、昨日ふとある人がリストを作っていて、私の曲が1曲入っていることに気づきました。
なんとそのリスト名が
"Neo Classical Artist to Watch - 2017"! そんなあ〜💕(笑)



ありがたいことです。この方は私よりももっと積極的にSoundcloudを活用されているので、私の曲もこれまでより多くの人に聴いていただける機会が増えると思います。リストにはけた違いにたくさん再生されている素敵な曲がたくさんあって(私のが少なすぎ)、興味深く聴かせてもらっています。私浮いてない?とか思いながら(笑)💦。
私のことを知らない人が音楽だけを聴いて選んでくれたということはうれしいことです。私は決して自分に自信があるわけじゃないけど、ただ素直にうれしいです。

今次の録音に向けて準備中ですが、あれこれ取り組んでいるので時間がかかってしまってます。今回のことでまたさらにやる気でてるので(ほんと単純だから)、早くスタジオ行けるようにしたいです。



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2017年01月09日

「即興」について考える

今年最初のブログです。今年もよろしくお願いします。
先週の金曜日、ダルクローズ・リトミック京都研究会の月例会に参加しました。田中弥生先生はダルクローズ国際ライセンスをお持ちで、内容はリトミック、ソルフェージュ、即興、鍵盤和声、指導法と盛りだくさんでした。全体を通して即興の要素が多く(リズム、歌、ピアノ)、またグループで行うのでリズムのかけあいをしたり、メロディーを紡いだり、音楽を通してのコミュニケーションを何度も意識し、興味深かったです。

以前ブログで一部ご紹介した『フリープレイ―人生と芸術におけるインプロヴィゼーション』(スティーブン・ナハマノヴィッチ著/フィルムアート社)は、まだ読んでる途中ですが、この本を読んでから「即興」(インプロヴィゼーション)とは広く創造を意味するものとしてとらえるようになりました。この本の中に「作曲とは、インプロヴィゼーションをゆっくりおこなうことである」というシェーンベルクの言葉が紹介されています。この本では音楽に限らず、生きていく上での「即興」(創造)の重要性を説いていると感じます。
ナハマノヴィッチはヴァイオリニスト、作曲家、詩人、教師、コンピューターアーティストということですが、コンピューターと人間の違いについてこんな記述があります。
「コンピューター演算は、AからBへ、BからCへ進む直線的プロセスであるのに対し、直観はむしろ、集中的な演算です。すべてのステップと変数は、一度に、いまの瞬間という中心の決定点に収斂します。」

AI(人工知能)の進歩が目覚ましい中で、やはり人間にしかできないことについて考えさせられます。人間の創造力によってなされることがそのうちの一つではと思います。

昨日たまたまのぞいた十字屋のワゴンで『おとなと子どものための即興音楽ゲーム』(リリ・フリーデマン著/音楽之友社)という本を見つけました。少し読んで著者にとても興味を持ちました(そして40%offで買いました!)。
訳者のまえがきに著者について次のようなことが書かれていました。
「私は音楽療法の勉強はしていません。療法的効果をねらってゲームを考案している訳ではないのです。ただ、私と一緒に一定の期間、こうしたゲームをやってきたおとなや子どもたちから、精神的ストレスが主な原因となる症状がやわらいできた、という話はよく聞かされました。私のいくつかのゲームによって、あるいは、参加者がお互いを認めながら同等のレベルでのパートナーシップの下で進めるというゲームの原則によって、ねらわずとも自己の内面の力が強められ、自身が変わっていくということは、私にも参加者の体験を見ていて確かなことです。」

確かに、先日のリズムやメロディ―や動きの即興は楽しいものでした。精神の解放という感じでしょうか! 音楽を感じてそれを自分の感覚で表現していく。その時に「即興」することで引きだされる可能性のようなものを感じました。普段から常に音楽で表現しているつもりでしたが、また「別の何かがある」という感じ。知らなかった自分?みたいな。
フリーデマンのゲームがどんなものかまだ見ていませんが、やり方はともかく、その結果もたらされたことが興味深いです。

もともとヴァイオリニストであるリリ・フリーデマンが即興演奏や指導を始めたきっかけについて書いてあります。
「いつだったか、ある音楽会議で音楽家たちが集まった時に、こんなことを言う人がいたのです。『こんなに何人もの音楽家が集まっているというのに、一緒に何も弾けやしない。ただ、楽譜が手元にないからって、こんなことでいいのかい?』この言葉は私に大きな衝撃を与えました。」

私はとりあえず自分が即興演奏をしたいといのではなく、創造という意味での即興の持つ可能性を探り、それをなるべく多くの人と共有したいと考えています。


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2016年12月31日

2016年の終りに

2016年も間もなく終わり。大晦日はいつも、一応主婦業もしているのでいくら手を抜いても普段よりはやることがあり、今日もお正月のための買い物(最低限ですが)などで時間をとられました。
元旦くらいは多少はいつもと違わないとなあと毎年めんどくさいなと思いながら、いかに簡単にちょっとお正月らしい雰囲気を出せるかを考えながらスーパーをうろうろしています。
そして大晦日でも毎年ピアノを弾きます。弾きたいから弾くだけ。今年は今作ってる曲が最後の曲になりました。まだ出来上がってないけど。なんか大晦日はいつもしみじみした気持ちで弾きます。今年はこれで終わりだなと。

最後に『フリープレイ―人生と芸術におけるインプロヴィゼーション』(スティーブン・ナハマノヴィッチ著/フィルムアート社)の中の、「練習すること」より、ストラヴィンスキーの言葉を引用します。

「作品を紙に書く行為というものは、パン生地をこねるように、
私にとって、創造の喜びと切り離すことはできません。
私に関する限り、スピリチュアルな努力と
心理的身体的な努力を切り離すことはできません。
これらは、同じレベルで私に直面し、ヒエラルキーがないのです」

それでは、皆さま良いお年を!


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2016年12月29日

音と心理の関係

今読んでいる『絶対音感神話』(宮崎謙一著/DOJIN SENSHO)の中でとても気になることがあったので、引用します。
「音響としての音の物理的性質と、その音を聞いた時に私たちが知覚する音の心理的性質は対応関係にあるが、同じものではない。(中略)音の聞こえの感覚は、物理的な音が、耳から脳に至るまでの聴覚系で分析・処理されることによってつくり出される主観的経験である。」(中略)「ピッチやラウドネス、音色などは、音を聞く人が感じる感覚的性質(心理的性質)であるため、測定器を使って測るわけににはいかない。こうした音の聞こえの性質を知るには、実際に音を人に聞いてもらう聴覚実験を中心とした心理学的研究を行うしかない。」

要は、音は物理現象(振動)だけど、どう感じるかは聞く人の頭の中で起こること(主観)によるから、それぞれに違う。音をどう感じるかは心理学の領域になるということですね。これは少し、はっとしました。

ここでは、単体の音についての話だと思いますが、音楽ならなおさら、心理との関係は深いでしょう。



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2016年12月24日

バザールカフェ京都で音楽

今日はパルヨン(外国人女性の会)の忘年会に行ってきました。この会は日本に住む外国人女性たちとその人たちをサポートしたいと思う日本人の会です。
「パルヨン」はフィンランド語で「たくさん」という意味だそうです。「たくさん」の交流の場で友達を「たくさん」つくり、情報を「たくさん」もらうことができるように名づけられたそうです。
パルヨンのメイン活動は外国人女性のための何でもしゃべれる会「プフー」です。「プフー」はフィンランド語で「ざっくばらんにしゃべれる」という意味だそうです。
この会に最初に参加する時から、機会があれば皆さんで歌をうたったりしませんか?という提案をしていました。外国の人と日本人が音楽を通して交流できることは素敵だなという思いがありました。
そして今回、バザールカフェ京都での忘年会でそれがかないました。ここにはピアノがあるので、ここで音楽をやりましょうと言っていただきました。

パーティーは持ち寄り形式で、それぞれ参加者が料理したものやデザートを持ってくるというものです。参加者は20名以上。たくさんの食べ物でそれぞれのテーブルはいっぱいになりました。みんなで食べたり、飲んだり、おしゃべりしたりしてしばらくたって、そして歌いましょうかということになりました。
他の人の演奏などもあり、3曲だけでしたが、それでも皆さんしっかり声を出して歌ってくださいました。私はピアノの演奏を静かに聴いていただくこともうれしいですが、歌ってもらって一緒に楽しむ時にも喜びを感じます。
特に今日は、国籍や民族を超えて一緒に音楽を楽しめたことが何よりです。多分、今後もまたこのような機会があると思ってます。きっと。


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2016年12月20日

「遊び」は大切

前回の記事で取り上げた『フリープレイ―人生と芸術におけるインプロヴィゼーション』(スティーブン・ナハマノヴィッチ著/フィルムアート社)はまだ読んでいる途中ですが、「遊びのこころ」という章があります。この章の最初に、カール・ユング(スイスの精神科医、心理学者)の言葉が紹介されています。

「新しいものの創造は、知性によって達成されるものではない。内面の必要性から、直感的におこなわれる遊び(プレイ)によって達成される。この創造的思考は、その愛する対象との戯れである。」

ふんふん、確かに毎日音楽と戯れているよ、とそこは実感。

そして、さらにこの章から引用します。
「遊ぶことは、なんであれ私たちを制限から解放し、私たちの行動の領域を広げます。私たちの遊びは反応の豊かさと適応の柔軟さを育みます。これは遊びの進化価値であり、遊びは私たちを柔軟にするのです。現実を再解釈し、新しさをもたらすことによって、私たちは硬直にならずに済みます。遊びは私たちの能力やアイデンティティを再編成し、いままでになりやり方でそれを使えるようにします。」

「遊びは自由な探究精神であり、それ自体、純粋な喜びのための行為と存在です。」
(引用ここまで)

「遊び」と聞いて思い浮かべることは人によって違うかもしれません。「遊びが大事」という考え方は、なんだか漠然としていてわかりにくいかもしれません。でも、私はとても納得できるし、自分が思っていた以上に「遊び」は大切なんだと認識を新たにしています。

「遊び」は決して子どもだけのものではなく、「自由な精神での創造の実践」を意味している思います。創造というのは芸術や何かを作るということだけではなく、自分の生き方そのものにあてはまるのだと思います。自分の生き方は自分で造っていく。
「遊び」の大切さが理解できれば、子育ても、自分の生き方に対しても少し見方が変わるかもしれませんね。
私は、よし、もっと自信を持って遊ぼう(笑)と勇気づけられています。

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2016年12月14日

ブレイクスルーは続くよどこまでも

『フリープレイ―人生と芸術におけるインプロヴィゼーション』(スティーブン・ナハマノヴィッチ著/フィルムアート社)という本をツイッターで知って、おもしろそうなので図書館で借りました。
まだ読み始めて最初の方ですが、何度も読み返す箇所(そこに書いてあることが気になって)の連続です。引用したい箇所満載ですが(笑)、自分が普段感じていることと重なることのひとつについて書こうと思います。
「創造的な生き方において見出すものは、際限のない仮のブレイクスルーの連続に過ぎないのです。つまりこの旅には終点はないのです。なぜならこれは、自分の魂に向かう旅なのですから。」
私は時々、ああ、ようやくこのことに気づいた、開眼した、スタート地点に立ったと思いますが、しばらくしてまた別のことに、ようやく気づいた、開眼した、スタート地点に立ったと思います。そういう風に思うことの連続という感じです。引用の部分を読んで、そうか仮のブレイクスルー(壁を突破したと思ったら、また別の壁があった💦?)を繰り返しているのかと思いました。でもそのたびに少しずつは前進していると思ってるんですが。
著者は、禅の言葉にとても魅かれるということです。それは禅がブレイクスルーの体験を深く見抜いているからということです。
読み進めるのが楽しみです。

さて、12日、13日、14日とそれぞれ別の場所であった親子のクリスマスイベントは終わりました。3日間ともいつもの児童館と保育所のスタッフの方たちと一緒にクリスマスの音楽を中心に、様々なプログラムを行いました。私のソロの演奏もそれぞれの場所で行い、毎回何人かの小さなお子さんとお母さんが近くまで来て聴いたりしてくれて、やりがいがありました。1、2歳の子でも、ピアノにとても興味を示す子がいます。はいはいして足元まで来る子がいたり(かわいい!)、鍵盤を触ろうとする子もいますが、何があっても弾き続けます(笑)。毎月児童館で、同じようなことを感じていますが、この3日間はなかなか密度が高かった。クリスマスシーズンは音楽へのニーズが高いですね。

毎日家でピアノに向かっている時は自分の魂に向かう旅(ちょっと大げさ?)を続け、そして外では現場で喜んでいただくことを大切にしたいと思っています。


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2016年12月10日

どうして涙が出る?

音楽を聴いて涙が出ることがあるのはなぜか? ずっと前からわからないと思っていることです。さっき、ふとそのことについてある考えが浮かびました。
小鳥のさえずりや、水のせせらぎなどを聞いて、きれいな音だなあと思っても涙までは出ません(私は)。もし出るとすれば、その音から何かを連想して、別の理由によってということになる気がします。
自然の音は、人間に聞いてもらおうという意思を持って音をだしているわけではなく、私たちは受動的に一方的にそれを受け止めて、美しいと感じる。
音楽は、人間の意志によって構成されたある秩序をもった音の集まり。そこに、伝えよう、感動してもらおうという意思が強くあればあるほど、人の心に訴えかけてくるのではないか?
音楽を作る・発信する側と受け取る側の双方向のコミュニケーションがあるからこそ、感情が生まれるのでは?
この考えは今までの中で、一番説得力(自分に対する)がある感じがします。
初めて第九を聴いた時、合唱のところでだいぶやばいと思うほど心揺さぶられた時、ベートーヴェンの強烈さを実感しました。すさまじい意志の持ち主だったんではないでしょうか?
そう言いつつ、例えば弦楽器の音は、コンサートが始まる前に舞台上で音を調整しているのを聞いて、うるうるしてしまうことがあり、それはなぜか全然わからない。まさに琴線に触れる音?

だいぶ前にブログで書いた、ストラヴィンスキーの『音楽の詩学』(未來社)からの引用のことを思い出しました。記事はこちら「自然と芸術」
「私は、それ自体として心地よく、耳を愛撫し、完全たりうる喜びを私たちにもたらす基礎的な音響、生の状態の音楽素材の存在を認めます。けれども、そうした受動的な快感の彼方に、私たちは、秩序づけ、活気づけ、創造する精神の操作に私たちを積極的に関与させる音楽を発見しに赴くのです。
というのも、あらゆる創造の根源には、地上の糧に対する渇望ではない渇望が見出せるからです。そのようなわけで、自然のたまものに、策略―それこそが、芸術(アート)(技術)の一般的な意義です―の恩恵が加わります。」

「地上の糧に対する渇望ではない渇望」というのが、人間の意志(作りたい、伝えたい)なんだろうと思います。

以上、今晩の思いつきについて書きました✌。



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2016年12月08日

クリスマスイベントを控えて

来週からクリスマスイベントなど、演奏の機会が何度かあります。それに向け、クリスマスの曲を編曲したり、その他の選曲したりしていますが、クラシックの曲も入れようかなと思っています。
作曲する前はクラシックばかりでしたが(だいたいやさしい雰囲気の曲)、少しずつ自分の作曲、編曲したものの割合が増えてきて、最近はクラシックはほとんど人前で弾かなくなっていました。
なぜ、今回またクラシックを弾いてみる気になったかといえば、自分の曲は最近特にBGM向けの傾向があり(お店の演奏に合わせ)、クリスマスのイベントではもうちょっと華やかなものがいいかなと思って。
と言ってももう日があまりないので、自分の曲がメインにはなりますが、それもクリスマスソングの編曲を含めBGM向けじゃないのをやります。

どのクラシックの作品にしようかと、久々の曲を色々弾いてみるとなかなか新鮮でした。というのも、しばらく弾いてなかった間に多少は私も成長したのでしょう、新たな発見みたいなものがあって楽しいのです。
以前はどちらかというと、あまり知られていないきれいな曲を紹介するつもりで選曲していましたが(と言ってもモーツァルトやハイドンのソナタなども弾いてました)、やはり一般の方々は知っている曲の方が楽しいのじゃないかなと思ったりもするので(色々な人の演奏に対するリアクションを自分なりに分析しています)、しばらくは広く親しまれているメジャーな小品をレパートリーにするつもりで練習してみようかなとも思っています。

前回書いた『インプロヴィゼーション』という本では、クラシックはインプロヴィゼーションが生まれにくいジャンルということが書かれていました。でも、クラシックは音楽資源として無限と思えるバリエーションがあり、その気になればインプロヴィゼーションの勉強のために役立つだろうし、作曲にはもちろんのことだと思います。ここ何か月か、毎日弾くクラシックはほとんどバッハだけくらいになっていましたが、これを機にまた、学びと、いざという時に応えられるようクラシックの作品にもまた取り組んでいこうと思ってます。

今日はまた、同志社の近くにあるバザールカフェで忘年会の打ち合わせをしてピアノを少し弾いてきました。この時は伴奏がメインになりますが、一緒に選曲をしていてやはり楽しい曲が望まれることを再認識。曲作りは自分の可能性を試すために続けていこうと思いますが(お店の方はこれで)、何よりも望まれる音楽を提供したい(自分が嫌な音楽は無理ですが)、そして一緒に音楽の楽しみを共有したいというのが私の望みだなあと今日も改めて思いました。

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2016年11月27日

もっと自由に

少し前、ジャズのことを調べていた時と前後して、『インプロヴィゼーション』(デレク・ベイリー著/工作舎)という本を読みました。この本は今も本屋さんにありますが、うちにあるのは発行1981年となっています。結婚当初から家にありましたが、何度か読もうとしてあまり興味を持てずにいた本です。でも、今は作曲や編曲してそれを演奏するという中で、クラシックを弾くのとは違う音楽に対する取り組み方を模索していて、この本も興味をもって読めました。

インプロヴィゼーションとは「即興」のことで、この本は、現代音楽、インド音楽、フラメンコ、ジャズ、ロック、教会オルガン、バロック、フリーというジャンル別に、その分野の音楽家への聞き取りと著者の考察がなされています。
まず前提として、デレク・ベイリーは即興には二つの主要な形態があると述べています。
「イディオマティック(イディオムに根ざした)」と「非イディオマティック(イディオムに根ざさない)」の二つです。
イディオムとは英語で慣用語、熟語、語法といった意味で、つまり、そのジャンル内で通用する言葉のようなものではないでしょうか。そういう意味ではフリー以外は、だいたいイディオマティックに入るのではと読んで思いました。
ここでは即興におけるイディオムの役割を「主にあるイディオム―ジャズとかフラメンコとかバロック―の表現方法に結びつき、そのイディオムからアイデンティティーや動機づけをえている」と書いています。

なので、ただ感性で、その場でひらめいて、インスピレーションを得て突然演奏するというよりも、その分野のイディオムを蓄積した上で、即興演奏ができるようにトレーニングをすることになるということですね。先日の法然院のバロックコンサートでもそんな説明がありました。
先日、ジャズのパターンやフレーズを覚えるつもりがなくて、すぐにレッスンをやめてしまいましたが、私はオリジナルに取り組んでいるので、ジャズのイディオムを覚えても仕方ないということです。

もちろん、即興演奏をするつもりもないのですが(無理だし)、自分の曲でもたびたび演奏することになると、その都度新しい曲を用意できたらいいのですが、なかなか追いつかず、演奏する自分自身がもっと変化がほしいなというところにいたっています。それで、演奏の際何か工夫が必要だなと思い始めたのが、即興に興味をもったきっかけです。
以前、「自由について」という記事を書きましたが、その時フランス人に言われた、自分の曲でも毎回同じように弾くのなら自由じゃないのじゃないの? という意見について、その時はそんなことはないと思っていたけど、ようやくそうとも言えることもあるかもと思うようになりました。
それでもやはり、即興というのは、特に何かのイディオムを持ってるとか、そういうことが得意でなければ難しく、私のような者の場合、ちゃんとあらかじめ検討を加えた作曲や編曲の方がまだましなものができるはず。家では簡単な即興は試してみてるし、児童館ならやさしいやさしい即興的なことはやりますが、ちゃんとした演奏として即興ができるとは、今のところとても思えない。

それで、昨日のいるか喫茶バーでの演奏は、あらかじめ自分の曲を何曲か編曲してみました。これなら短期間でできました。自分の曲なのでもっと自由な発想で試してみればいいと思って。

『インプロヴィゼーション』の中のバロックの章に、次のようなことが書かれています。
「当時は作曲家自身が自分の作品を演奏するものでしたし、ときには時間がぜんぜんないということもあって、譜面にすべての音を書くというようなことはしませんでした。作曲家は、ここでなにか特定のことをしようというところを思い出すために、音符を書きとめておいただけなのです」

そんな、不完全な楽譜では心もとないので(自信がないので)、その代わりに編曲を済ませて譜面にして弾いたわけです。
さて、今後どんな風に展開していくか? まだまだ試行錯誤は続きます。

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2016年11月25日

ポール・サイモンについて少し

ポール・サイモンについて何かを語るほど何も彼のことは知りませんが、最近興味を持つようになった経緯が自分でもおもしろいなと思っています。まあ、こういうことはよくありますが。
クラシックのように楽譜ありきでない音楽との向き合い方を考えるために、少し前ジャズを勉強しようとしたことはブログにも書きましたが、それを知ったご近所のジャズ好きな方がおすすめのトリオなどをいくつか教えてくださってその中に、ヨーロピアン・ジャズ・トリオがありました。
彼らは皆が知っているクラシックやポピュラー、民謡などをモチーフにした曲をたくさん演奏しています。その中に「スカボロフェア」があります(私が聴いたのはもう10年以上前の演奏ですが、とても素敵です)。

スカボロフェア(ヨーロピアン・ジャズ・トリオ)

スカボロフェアは誰もがどこかで聴いたことのあるなじみのある曲だと思いますが、いい曲だなと改めて思って、元の曲を聴いてみようと思いました。といっても、民謡なのでそれをアレンジして昔歌っていたサイモン&ガーファンクルの動画を観ました。スカボロフェアといえば彼らの曲と思ってたくらい。
よく聴いてみると、アレンジがとても凝っている。ポリフォニックなサウンド。声と楽器(クラヴィコードかチェンバロのような音も聴こえます)が溶け合うように重なって、何度聞いても感動できるような味わい深さです。

スカボロフェア(サイモン&ガーファンクル)

少し前に、ある人の記事でポール・サイモンがバッハの影響を受けていることを知りました。きっと、スカボロフェアのアレンジはポールに違いない!? そのあたりからポール・サイモンへの興味は強くなっていきました。
それで、検索してみると、現在70代半ばでまだまだ現役で今年出したアルバムが全米チャート3位、全英チャート1位というから驚きです。その音楽は、「刺激的で、若い!」。音楽に年齢は関係ないと、勇気をもらいました(笑)。

『ストレンジャー・トゥ・ストレンジャー』より「Wristband」

こっちは「Wristband」ライブ

リズムがかっこいい!

クラシックを弾くことは学びと楽しみのために私にとって今も重要ですが(といっても最近はオリジナルに時間がいるので毎日弾くのはほとんどバッハくらいですが)、人前の演奏のための作曲・編曲のためにはもっとジャンルを超えて、ジャンルにとらわれずに音楽に向き合いたいと思っています(ジャズのフレーズやパターンをおぼえることは私にとってはかえってジャンルにとらわれることになると判断しました)。
そういう意味で、クラシックを含む色々な音楽から影響を受けオリジナルを生み出している音楽家には興味があります。ヨーロピアン・ジャズ・トリオのマーク・ヴァン・ローンもクラシックとジャズを同時に学んできたピアニストです。

素晴らしい才能に接すると、自分は何をやってるんだろう?と、ふと我に返ったりすることはびたびですが(笑)、では「やめる?」と自問して、「やめません」というだけです。自分がどこまで行けるか?それだけです。


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実はうちにこんなポール・サイモンのアルバムがありました。
1990年の。とてもアフリカンです。


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2016年11月15日

バレンボイムの話を聞いて

たまたまツイッターでダニエル・バレンボイムの音楽レクチャーのような動画を見つけました。10分弱の動画ですが、とてもいいお話が聞けました。
Barenboim talks about music
その中で特に印象に残ったことです。
バレンボイムが14歳の時に、ホロヴィッツの前でピアノを弾いた時のことです(バレンボイムは神童だったからすでに普通の14歳とは全然違ったでしょうね)。その時にホロヴィッツがバレンボイムに言った言葉が忘れられないと言います。
「君は常に意思(will)をもちなさい」
それは「何かを表現しようとする意思」のことということです。すばらしいアドバイスですね。

私も「どのような音楽をどのように表現していくのか?」この大きなテーマに向き合いながら、その時そうするのが一番と思ったことを、意思を持って取り組んでいます。

ジャズピアノのレッスンは結局1ヶ月未満でやめました。知らなかったわけではないのですが、やはりジャズはパターンを覚えなければいけない。ジャズピアノを弾くのが目的ではないから、パターンを覚えることは私には意味がない(そもそも興味がない)。
でも、気づいたことは色々あります。それこそが、頭で考えてるだけではわからなかった、やってみてわかったこと。やはり思ったことを実行してよかったと思っています。

どんな音楽であろうと、私は、「歌心」が感じられるものに惹かれるので、そういう音楽にインスパイアされながら、「何かを表現しようとする意思」を持ってこのまま音楽に向き合い続けるつもりです。

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2016年10月29日

リズムで軽やかに

今日はいるか喫茶バーでBGM演奏をしてきました。
少し前ブログで書きましたが、創作の幅を広げることを主な目的としてジャズピアノの勉強もしているので、今はインプットに時間かけてます。それで、今回は編曲ものを2曲増やしただけになりました。

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先週から、ジャズピアニストの岩瀬章光さんの所にレッスンに行きはじめました。最初から、ジャズピアノを弾く目的というより、オリジナルのためですと告げていますが、変な顔もせず、私の程度をみながらレッスンをしてくださっています。1ヶ月、2ヶ月、いつまで続けるかはその時に判断します。月2回なんで、家でどれだけ取り組めるかによると思いますが。
レッスンでは先生がベースを弾いてくださいます。普通のスケールを弾いてるだけでも、ベースが入ると楽しくなる。改めてクラシックとジャズとの大きな違いのひとつはリズムだなと思います。

先日のバロックのコンサートでも、1曲だけ、打楽器が入ったり、ギターのボディを叩いたりしてリズムをとる曲がありました。すると、急にカジュアルな雰囲気になるんですね。少し厳かな雰囲気から、ポピュラーな感じに。初期バロック時代の音楽の自由さを感じさせる要素のひとつかもしれません。

というわけで、リズムというのはより音楽に軽やかさをもたらすものであると再認識し、そういう部分もピアノソロであってもオリジナルに生かせられないかと思っています。
ちなみに、この間のレッスンでは、リズムはいいとほめてくださいました。うれしい。ほめ育てに弱いです(笑)。


posted by yoko at 23:56| 京都 ☁| 音楽 | このブログの読者になる | 更新情報をチェックする